Archive for 2018
Hanebado
Spoiler Alert: Spoilers ligeros para toda la serie, no revelo ningún punto de gran importancia. Quedas avisado.
Cuando Hanebado emitió su primer episodio una reacción generalizada que, poniéndola en palabras, fue "Pos, como que un poquito dramática la cosa ¿No?" y mi respuesta a eso sería: ¿Como no iba a serlo?
El primer episodio abre con nuestra protagonista, al menos por el momento, Nagisa terminando un intenso partido con la modesta puntuación de 21-0... en contra. El resto del episodio lleva consecuentemente un tono relativamente pesado, al menos comparado con otras series del género, con Nagisa constantemente amargada por esa humillante derrota. Y acá es donde entra el "Pos como que un poquito dramática la cosa ¿No?", por supuesto que tiene que serlo, a esta chica le acaban de hacer un Flawless Victory, si yo entrenara consistentemente en un deporte para que después me destrozaran de esa manera también andaría un amargado buen rato . Hace 4 años Brasil se comió 7 goles contra Alemania y todo el país sigue amargado por eso, imaginense. A eso sumemosle esta pregunta que es dejada en el aire por la propia serie "¿Porque juego badminton?" suena bastante estándar, pero después de quedarme pensando un poco fue como: "Mierda ¿Por qué la gente se dedica al deporte profesional en general?". Después de ver esa derrota no pude evitar pensar en todos esos corredores olímpicos que entrenan toda su vida, solo para ver en el momento de la verdad a Usain Bolt pasarlos a toda velocidad y como a el hasta le da tiempo de mirar hacia atrás para tirarles una sonrisa ¿Por qué siquiera gastarse?
Fue en este momento que pensé "Hanebado quizás se está dirigiendo a algún lugar nuevo para los animes de deportes, donde quizás no estuviera todo pintado de rosa, donde no fuera todo sobre la amistad, la diversión y el amor al deporte." y ciertamente se dirigía allí, incluso si dio un gran tropiezo por el camino.
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| Pero que conste que Nagisa es mi Best Girl 2018 de todas maneras y al que esté en desacuerdo le invado la casa y secuestro a su primogenito. |
Idea of Evil
Ayano Thot Slayer
Y un abrazo bien grande al héroe sin capa que decidió cambiar el diseño de Ayano a último minuto para que tenga esos brazacos con los que ojala me haga una toma candado.
En definitiva, Hanebado es un anime ambicioso, quizás demasiado se podría decir. Es una adaptación relativamente suelta de un manga que, según dicen, no tiene el mismo tono y es posible que estuviera masticando más de lo que podía tragar. Sin embargo a pesar de su miríada de problemas todavía creo que es un paso, por pequeño que sea, en la dirección correcta y realmente quisiera volver a ver sus aspectos más positivos replicados en un futuro... Pero bien, no me vayan a copiar a la madre de Ayano de vuelta porque juro que prendo fuego una cancha de badminton.
Reseña: Shin Mazinger Shougeki! Z-hen
A inicios del presente año (2018 para quién lea ésto en el futuro) llegó a las pantallas de Netflix la miniserie Devilman Crybaby (Crybaby): Una re-interpretación del manga Devilman del señor Go Nagai, bajo la dirección Masaaki Yuasa, con un notorio replanteamiento en la presentación estética pero dejando intacta la esencia de lo que representa la obra original. Crybaby es violento con sus personajes, cruel en la construcción de su mundo, sexual con sus temáticas y desesperanzada con su visión de la humanidad. Independiente de la puesta en duda de su calidad, es innegable que volvió a revivir la llama en la memoria colectiva asociada a estos nombres, recordando a los más olvidadizos de la audiencia que Go Nagai existe y ha hecho cosas más allá de Devilman.
Shin Mazinger Z es un caso similar de hace ya casi 10 años con otra propiedad del ya mencionado autor, pero con la particularidad de haber sido dirigida por otro grande de la animación japonesa: Yasuhiro Imagawa. Como creador de Giant Robo The Animation, director de Mobile Fighter G Gundam y caracterizado por lo rimbombante: Gigantescos Luchadores mecánicos colisionando a una escala intergaláctica con movimientos y armas con nombres tan ridículos como el diseño de los trajes de los pilotos.
Es por esto que apenas puedo imaginarme lo emocionado que Imagawa debió haberse sentido al haber tenido la oportunidad de ponerle sus manos a uno de los íconos del anime de mecha de los años 70.
Y todo el espectáculo no se hace esperar ni un segundo.
La historia comienza con una desesperanzada orquesta resonando en conjunto con un terremoto que termina partiendo la tierra para darle espacio a un gigantesco gladiador que se alza victorioso y con intenciones hostiles, mirando sin respeto alguno a la altura de sus pies. ¿Un insecto? No... Pero similar. La cámara nos revela lo diminuto que se ve en comparación el mítico Mazinger Z, controlado por Kabuto Koji.
Un nuevo cambio de cámara nos revela a una suerte de fantasma que recita sus burlas hacia nuestro héroe estableciendo que la batalla ha terminado para la humanidad y que Mazinger ya ha perdido. Estos son los primeros 5 minutos del capítulo inicial, sino es que menos. Y este tipo de escenarios se replica con otros personajes durante toda la duración del mismo.
No por nada este primer episodio de se titula "El Gran Final", dejando en constancia que Shin Mazinger Z inicia con el final del anime, similar a lo sucedido con Kenpuu Denki Berserk (donde Imagawa participó como guionista), por lo que resulta recomendable visitar los primeros capítulos de la serie una vez finalizada para poder tener un mayor contexto del tan desconectado final. De ahí en adelante la narrativa avanza a un ritmo un poco más normal, llegando al punto de parecerse más a las historias del anime de antaño con una nueva capa de pintura.
Enemigos clásicos de Mazinger Z entran en escena.
Probablemente, Mazinger Z –para los que no lo conocen– suele verse asociado a una historia de “super robots” con poderes, situaciones y villanos increíblemente absurdos, pegados a una narrativa enfocada en la venta de juguetes, mangas y otro tipo de mercancía. Si bien, este tipo de observaciones no son particularmente erróneas, mucho de la concepción colectiva suele obviar uno de los detalles más importantes de la propiedad intelectual: La Tragedia.
Devilman utiliza la tragedia como principio activo y combustible de su narrativa: con un mensaje oscuro asociado a fuerzas que no podemos comprender y contra las que no podemos luchar. La humanidad, ni frente a este escenario, cambiará su naturaleza autodestructiva, y nada habla peor de nosotros mismos que el acto de apoyarnos en los hombros de nuestro único héroe y protector: Devilman.
Mazinger Z es una historia con un mensaje similar, muy oscura desde el origen y con mensajes tan sexuales y deprimentes como el anterior, suavizándolos con llamativos héroes mecánicos controlados por pilotos de buen corazón, cosa que Shin Mazinger Z logra capturar con mucha propiedad directamente desde el manga original:
Una reencarnación artificial del omnipotente Zeus, Dios de los Dioses, rebelde en una guerra intergaláctica contra una raza de griegos espaciales que consideran al planeta tierra un punto estratégico dentro de su conflicto cósmico. Es literalmente la respuesta de la humanidad para luchar contra diferentes deidades.
Un primer plano de Zeus, el omnipotente.
La seriedad y madurez de la narrativa de Shin Mazinger Z no puede verse exactamente en las logísticas de su guión. Es una de aquellas historias donde las cosas “pasan porque sí”, invitándonos en su lugar a preguntarnos el “por qué” de los personajes en lugar del “cómo” de sus acciones. Cada personaje tiene una motivación clara, específica y sencilla para actuar y cumplir su función dentro de la gran épica del super robot en algún momento dado.
Con motivaciones claras, vienen asociadas emociones claras. Y con emociones claras, el enfoque principal de dichas motivaciones dentro de la obra radica más en la intensidad de las mismas que en su complejidad. Cuando un personaje llora, no lo hará por las razones más complicadas del mundo, pero lo sí con toda la intensidad que la ilustración, los efectos de sonido, el talento de los actores y las palabras tanto del personaje como del narrador puedan demostrarnos. Los sentimientos se exacerban y maximizan.
Todas estas consideraciones podrían resultar incómodas para alguien que espera respuestas a las interrogantes que se plantea al momento de analizar una obra desde el punto de vista técnico, pudiendo confundirse muy fácilmente con agujeros argumentales y llegar a la apresurada conclusión de que el guión no fue lo suficientemente masticado.
El estilo de dibujo deforma la cara de sus personajes en función de las emociones.
Esta puede ser una alternativa de pensamiento, pero cuando la totalidad de la historia gira en torno a la idea de que la intensidad de las emociones de los personajes les permite superar todos los obstáculos de la manera más épica posible; más que en agujeros argumentales me hacen pensar en la Odisea y en como Ulises desarrollaba su propia épica entre gigantes y dioses de la antigua era. Y recordamos que Mazinger Z es una reencarnación de Zeus: La épica griega y la obra de Nagai van unidos como pan y mantequilla.
La animación no es estelar. La ilustración es inconsistente; la música puede empezar a sonar muy repetitiva luego de unos capítulos (la serie tiene 26)y presenta un final que, aparentemente, jamás se verá continuado en una segunda temporada. Pero soy de la idea de que para entender el porqué el anime se ha convertido en el monstruo que es hoy, es muy importante echar una mirada crítica al pasado y reflexionar sobre los cambios que el género, el medio y nosotros como audiencia, hemos experimentado.
Mazinger es un ícono del anime, y Shin Mazinger Shougeki! Z Hen es una muy conveniente cápsula del tiempo con una presentación quizá un poco más tolerable para muchos hoy en día (ver el anime original es muy difícil, no voy a negarlo). Además, de aquí se puede saltar a casi cualquier producto con el nombre de Mazinger asociado y poder entender más o menos qué es lo que está pasando.
En resumen: Está ok.
Reseña: Hisone to Maso-tan
Lidiar con drama en un anime puede llegar a ser tedioso, en especial cuando la historia se enfoca en eso, incluso podría volverse contraproducente si no presenta otros elementos que acompañen a la trama para que sea más llevadera y equilibrada. Hisone to Maso-tan es un anime que lidia con muchos temas, tanto de su historia de fantasía particular como sus personajes con conflictos, y el drama es el elemento que está siempre presente, siendo manejado muy bien, al menos en primera parte.
Datos técnicos
Género: Fantasía, Comedia, Drama
Estudio: Bones
Fuente: Original
Dirección Ejecutiva Shinji Higuchi (Evangelion)
Guion
Mari Okada (Anohana, Gundam IBO)
MyAnimeList
Desde tiempos inmemoriales las criaturas mitológicas han existido en el mundo, y los humanos interactuaron con ellas desde un principio. Aunque siempre ha habido conflictos de por medio, guerras por la obtención de poder y cuidado de estos seres ocasionaron que con el tiempo vivan ocultos, y muchos de ellos bajo el resguardo de humanos. Incluso en la actualidad cooperan juntos, entre ellos, dragones, siendo piloteados por miembros de la Fuerza Aérea de Autodefensa de Japón (FAAJ). Hisone Amakasu es una joven con problemas de personalidad y comunicación que, sin tener un objetivo claro en su vida, decide alistarse en la FAAJ de la base Gifu. Allí encontrará su rol como D-Pilot, y descubrirá que la FAAJ tiene dragones camuflados como naves de combate a su disposición, entre ellos, Maso-tan.
Masotan, the mecha dragon
La premisa de Hisomaso (Hisone to Maso-tan) es bastante
curiosa y en especial absurda. Eso también incluye luego en cómo son piloteados
los dragones, siendo las D-Pilot mujeres tragadas para sincronizar dentro de la
criatura y estar al unísono. Incluso la misma serie advierte que esto es una
locura, por lo impráctico que resulta pilotear un dragón para que esté
camuflado en los cielos como una nave, sin embargo todos los personajes se
toman muy en serio este tema, al ser asumido como un hecho incuestionable. Las
emociones de las D-Pilot son determinantes para poder manejar al dragón. Hisone
es una novata en toda regla, y no tiene reparos en decir lo que piensa, es tal
el grado de sinceridad de sus palabras que hasta llegan a ser hirientes y
desagradables. Ella es consciente de esto y por eso vive en represión al no
poder controlar sus palabras pero en el fondo ella desea ser libre de poder expresarse adecuadamente y formar el incipiente sueño de ser Dragon Pilot. Masotan es un dragón que vive
en una condición similar, encadenado y sin poder volar libremente porque sin
ayuda de un piloto podría ser incapaz de controlar su instinto animal, volverse
violento y herir a los demás.
Hay una interesante analogía en la manera de cómo funciona la interacción entre piloto y dragón (sumado al labor que hay de por medio), el piloto controla al dragón al ser tragado y este toma el rol dominante al "controlar" la vida del piloto dentro de sus entrañas. Luego, con la aparición de los demás personajes
(y pilotos) refuerzan esta idea del “deber” en el trabajo y mantener en orden
sus vidas. Eri Hoshino es la que se toma muy en serio su labor, e incluso objetiviza
a los dragones como herramientas de trabajo. Ririko es la que actúa bajo el
principio de hacer solo lo necesario, ya que el trabajo -y las interacciones
sociales- la agotan mucho. Hitomi, por su parte, es la que ama su trabajo como
D-Pilot y disfruta cuidar del dragón Futomomo, ella es una dragon thicc
pilot con bastante sentido maternal.
Hisone in a nutshell
Hisomaso, contrariamente
a lo que uno esperaría al comienzo, no se trata de una historia enfocada en
la acción o los combates aéreos. El pilotaje de los dragones es una hermosa metáfora
de superación personal. Aprender a conducir al dragón básicamente es conducir
la vida misma, afrontando problemas y dificultades emocionales, incluido el
amor. La historia inicialmente no presenta un rumbo aparente, ya que por
momentos podría ser tomada como un slice of life de comedia con toques de drama,
que en lo personal disfruté mucho. Luego, esto varía, entrando al arco final de
la serie, se concreta una misión final para las pilotos, aquí el drama se hace
notar por sobre lo demás.
Mari Okada tuvo una participación
clave en el guion, especialmente para la introducción y cierre de la historia.
Y considero que la primera mitad de la serie fue muy buena en ese aspecto, los
personajes se presentaron armoniosamente y en el transcurso lidiaban con sus problemas
(como el de Hoshino y Hisone), tanto en manejar sus vidas como aprender a
pilotear a sus dragones y valorarlos como seres vivos. El punto de inflexión se da en el episodio 7 y las riendas de lo que sucede se vuelven difusas y un
objetivo nuevo aparece en la misión de las pilotos. Este es el momento donde las
cosas se salen fuera de la temática anterior y empezamos a ver un drama con
aires de romance meloso sobre cómo lidiar con el trabajo y el amor.
How to not get in the fucking robot dragon
Es a partir de la segunda mitad
donde las cosas se tornan demasiado metafóricas, y el tema de superación personal es encaminado para tratar exclusivamente de temas amorosos y
sentimentales, sobre cómo controlarlos o incluso suprimirlos del todo. En mi
opinión esto tiene sentido para tratar el tema de controlar a los dragones (y
la misión final que tienen), pero a costa del sacrificio personal de sus
pilotos. Esto se da junto a la tardía introducción algo forzada de otra
criatura mitológica considerada divina, aunque no me agradó del todo el peso de importancia de este nuevo escenario, aprecié bastante la crítica que daba la
serie contra el tradicionalismo japonés de la religión y el Estado. Temas
debatibles como aceptar el rol que la sociedad impone desde el nacimiento, sea
por género o sangre de familia. Lidiar con el amor y el trabajo junto a normas
que el Estado establece con los ciudadanos y que cuestionarlas es ir contra lo
“normal”. Pero como mencioné antes, todo esto se ve en los últimos episodios, pero
de manera muy difusa sin un objetivo en concreto. No estuvo mal, pero siento
que intentaron abarcar mucho para el poco tiempo disponible.
Best gilf
Visualmente hablando, Hisomaso
presenta un arte minimalista casi caricaturesco logrando unos niveles de
expresividad elevados en sus personajes siendo contrastado al detalle de
ambientación de paisajes, construcciones y naves militares. La paleta de
colores presenta tonalidades vivas y resaltantes, con bastante atención al
contraste para sombras y colores sólidos. Este estilo visual es muy inusual y
resalta en comparación a lo que vemos en otras series de anime contemporáneas, para algunos
puede resultar repelente por no verse como algo típico en la industria, y en
verdad creo que eso es lo que también le da un valor extra, al apostar por un
diseño original y creativo la diversidad de arte en la industria no se ve
estancada.
El arte sonoro en general es excelente.
La banda sonora presenta temas instrumentales armoniosos, aplicados
efectivamente para cada situación que transmitía una sensación diferente. Entre
los más resaltantes está el ending, cada episodio tuvo una versión distinta
(cantada por distintas seiyus del anime) del tema francés de Le temps de la rentrée de France Gall. Y
personalmente Shoujo wa Ano Sora wo
Wataru es mi tema favorito, este opening también tiene versiones distintas,
y lo resaltante está en el cambio de letras que describen y están ligadas
estrechamente con el desarrollo que Hisone presenta durante la historia.
Conclusión
Hisomaso representa muchas cosas
por valorar, tanto en el nivel de producción como en el guion hay un gran
trabajo de por medio, que si bien es cierto, no es para todos. El drama y la
manera en que fue llevada podrían no ser del agrado de todos, y la manera
absurda en que presenta su historia, incluido. Aun así, tanto en desarrollo de
personajes como nivel artístico, se hace valer bastante, y por ello la
recomiendo. Esta obra es de esas que aparecen cada cierto tiempo y escasean
mucho al arriesgarse a tomar un rumbo distinto de lo que suele verse en el
estándar de animación japonesa actual, que comúnmente se encuentran bajo el
radar y que deberían tener más repercusion y exposición al espectador.
Nota personal:
7.5/10
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josdavi,
Reseña: Kaze no Na wa Amnesia
Uno de mis géneros favoritos es el sci-fi, recuerdo que hubo
una época en la que mi gusto por esta temática iba en aumento, y en ese periodo
fue donde descubrí una fascinación (y obsesión) por el cyberpunk. Este es un subgénero muy particular, donde el ambiente
de ciencia ficción se expone de una forma mucho más realista y cuestionadora,
al punto que tiende a representar lo peor de una sociedad “avanzada” necesitada
de la tecnología, a veces yendo por el tema de la deshumanización y reflexión
de las personas siendo sumamente dependientes de lo artificial en sus vidas. Mi
gusto por el cyberpunk comenzó con Ghost
in the Shell, que luego me llevó a ver Akira, y esta a ver Robot Carnival y
“como jugando” terminé con Kaze no Na wa Amnesia. Debo decir que todavía no he
visto todos los grandes representantes del sci-fi en películas y anime en
general. Y uno de los mayores desmotivadores para continuar viendo cyberpunk fue con esa última película
(también llamada como A Wind Named Amnesia), que después de verla (y quedar en
parte decepcionado) me dio dos motivos para darle un parón a este subgénero.
Datos técnicos
Género: Sci-fi,
Acción, Drama
Estudio: Madhouse
Fuente: Novela ligera
Autor
original: Hideyuki Kikuchi (Vampire Hunter D)
Dirección Kazuo Yamazaki
(City Hunter, Urusei Yatsura)
Dirección de animación Satoru Nakamura (GitS S.A.C)
La premisa de esta historia es sencilla. En un futuro
cercano, sin advertencia de nadie, un viento sopló por todo el mundo y todos
los humanos perdieron sus recuerdos. Todos olvidaron su pasado, los padres
olvidaron que tenían hijos, las personas olvidaron sus trabajos, educación y
conocimiento. Los niños y ancianos fueron los más afectados, y el instinto era
lo único que sobresalía en todos. Sin embargo Wataru, nuestro protagonista, con
el tiempo logra recuperar la memoria de manera especial gracias a un niño, que
no fue afectado por “El Viento” de amnesia, en un centro de investigación
experimental. En el transcurso aprende del mundo nuevamente y en su camino
encontrará personas de distintas ciudades de Estados Unidos, muchos de ellos
adaptándose a la vida cavernícola del hombre prehistórico y extrañamente algunos
otros que también pueden hablar como él, en especial una chica misteriosa
llamada Sofía. La pregunta que se plantea desde el principio no es cómo sino
quién ocasionó todo esto.
Kaze no na wa Amensia utiliza esta premisa de “qué pasaría
si” toda la humanidad perdiera la memoria, y la historia principal gira en
torno a este tema. Este plot device (donde
sucede un cambio inesperado y trascendental como el viento de amnesia) hace avanzar
la historia siendo su eje en todo momento. Si bien es cierto Kaze no Nawa (lo
llamare así para abreviar) no es realmente un cyberpunk como tal, sí presenta
ciertos elementos de este subgénero, como la deshumanización y progresiva
dependencia a la tecnología además de poseer un ambiente postapocaliptico
desesperanzador.
Kaze no Nawa presenta un cast de personajes muy reducido
pero funcional. El protagonista, Wataru, es un joven japonés que también perdió
su memoria y no tenía un nombre inicialmente. Fue gracias a su encuentro con Johnny
en un centro experimental que pudo recobrar su memoria básica, desde el
lenguaje hasta la capacidad de leer y además recibir un nuevo nombre (Wataru proveniente
de wanderer, un errante viajero). En
dicho lugar, Johnny era uno de los sujetos de experimentos que no fue afectado
por la amnesia pues sus recuerdos habían sido trasladados a una computadora
conectada a su cerebro. La relación entre ambos es más de maestro a alumno que
de amigos, y luego de un evento desafortunado la misión de Wataru será el de
viajar a través de las distintas ciudades para descubrir el origen de este
problema y a la vez enseñar a los demás humanos lo que habían olvidado. Luego
de su encuentro con la enigmática Sofía se proponen a viajar por distintas
ciudades hasta Nueva York buscando nuevos compañeros en el transcurso. Además
de Wataru y Sofia, los demás personajes secundarios tienen un rol menor casi
pasivo mientras los protagonistas interactúan con ellos muchas veces como
espectadores.
A partir de aquí es donde se comienzan a presenciar los
problemas con esta película, ya que su trama presenta un formato episódico, y los
personajes no tienen un desarrollo real y palpable, incluido los protagonistas.
Wataru es un personaje sin una personalidad solida establecida, siempre en
búsqueda de entender qué sucede, pero nunca hace un avance real al ser muy
dependiente de Sofía. Ella, por su parte, sí cuestiona si sus motivaciones y
acciones son correctas o no y llega a comprender el valor del ser humano en el
transcurso de la historia, no solo por haber conocido a Wataru sino también a
las demás personas en su viaje.
“Sin la memoria no
somos nada”
¿Qué es lo que nos define como seres humanos?, es una de las
preguntas más importantes que nos deja Kaze no Nawa. Desde el principio su
historia intenta mostrar en lo que se
convierte el hombre sin la memoria, actuando solo bajo el instinto de
supervivencia. Incluso se presenta una curiosa analogía con los animales, pues
a ellos solo les basta el instinto para vivir. Y este es uno de los temas más
interesantes que trata la película, donde el término de tabula rasa se hace notar, es decir el hombre con la “mente en
blanco” sin recuerdos ni ningún tipo de experiencia previa. A lo que nos lleva
a pensar durante la película algunos temas como: ¿el hombre es malo o bueno por
naturaleza o es algo aprendido?, sin la memoria ¿qué es lo que nos
diferenciaría de los animales?, nuestras emociones y sentimientos ¿hasta qué
punto dependen de nuestra esencia como animales y nuestros recuerdos?
Lo interesante es como a través de tres “episodios” se
intenta explicar cómo ha funcionado la sociedad humana y sus creencias a través
de las civilizaciones, algunas veces con ejemplos simples, como “qué es dios” y
por qué es real en cuanto haya gente que está convencida de su existencia. Tambien
se habla de la libertad de creer en cuanto no se oprima a la de los demás,
aunque algunos de estos temas son tratados de manera superficial pero otros,
por el contrario, se presentan como una crítica a la sociedad moderna donde el
libre albedrio se suspende por el sistema de vida.
El tema principal de la película va ligado con todas esas
interrogantes y temas debatibles, y esta enlazado con la civilización formada y
como funciona. Wataru y sobre todo Sofía encuentran una respuesta a estas
interrogantes para el final de la película, pero lamentablemente fue un final
mal representado por las grandes fallas en cuanto a dirección poco orgánica y
bastante inconexa con su formato episódico.
Y creo que ese es uno de los problemas que arruinan gran
parte de Kaze no Nawa, pues se esfuerza demasiado en presentar el mensaje y la
historia no calza para ser comprimida en una película y tiene que lidiar con
tres subtramas, dos de ellas están bien representadas para el mensaje principal
de la serie, pero la otra es simplemente un añadido innecesario, que pudo ser
presentado de otra forma. Esta subtrama trata sobre una IA que parecía un Metal
Gear destrozando todo a su paso apareciendo de vez en cuando, intentando fallidamente
dar una sensación de película de acción ochentera.
Wataru Snake, a fallen Rambo
Apartado técnico/artístico
El trabajo en dirección con Kaze no Nawa es de lo más
lamentable pues está pésimamente ejecutado. La transición entre la trama
principal y las escenas de acción (correspondientes a la subtrama de “El Guardián”)
me resultaron abruptas, se sienten como “bloques” de escenarios distintos intentando compensar
la falta de ritmo y poca acción de la historia principal, ya que el
protagonista luce como un joven Rambo y muestra aptitudes como tal, pero no va
con la temática pausada de la película, probablemente el ambiente de acción
hubiera funcionado mejor si estuviera equilibrado e inmerso en la trama
principal sin sentirse fuera de lugar.
Para una película que está cerca de cumplir 30 años me
parece que logró un trabajo decente a nivel artístico. El diseño de personajes
es muy estilizado y la paleta de colores es sombría con muchos contrastes,
ciertamente rememora mucho al estilo de anime de los 80s, a mi parecer es
agradable a la vista. El worldbuilding
fue muy limitado, sin embargo los pocos escenarios y ciudades fueron cuidados y
concisos para mostrar lo necesario en pantalla. Su banda sonora es de lo más
sosa y muy olvidable, solo podría destacar el tema final, la letra de esa
canción dice bastante sobre la historia de la serie, pero de todas formas no
logró cautivar lo necesario.
Del amor al odio y luego
al olvido
Kaze no Nawa fue una decepción y uno de los motivos
personales para abandonar al cyberpunk
por un par de años- Mi gusto por el subgénero también se esfumó por una
sobrecarga de consumir obras con esa temática deprimente, se volvió en algo tóxico,
pues si bien es cierto me gustaba el enfoque de dar un mensaje realista, el
tema es que casi siempre es pesimista y (en mi caso) tendió a sumergirme en esta
carga depresiva aún más y opté por dejar de lado al cyberpunk por un buen tiempo.
Volviendo a ver esta película, pienso que si bien es cierto
mi opinión sobre sus fallos no han cambiado, la he podido apreciar por un aspecto que la película
siempre brillaba: en su mensaje. Ciertamente tiene momentos muy oscuros, no
solo sobre lo que le ocurre a la humanidad, sino en que tan bajo puede caer
para que un viento de amnesia sea necesario. Gracias a este rewatch ahora tengo
buenos motivos para retomar ver anime cyberpunk como Texhnolyze.
Conclusiones
Kaze no Nawa expone una hermosa reflexión de lo que
significa ser un ser humano, y su mensaje, sobre qué tan importante ha hecho la
memoria y la civilización en nosotros, si esta nos ha “deshumanizado” o
simplemente nos ha llevado a un sendero degenerativo, que a mi parecer ha
sabido plantear muy bien. Sin embargo, en el proceso su calidad narrativa como
película se fue reduciendo al punto que empezó a presentar un formato episódico
mal organizado, donde los protagonistas, contrariamente, tuvieron un rol menos
de lo necesario, y se siente que se tuvo que sacrificar eso (y varios otros
temas) para lograr exponenciar el mensaje, que a mi parecer ese es su gran
defecto. Además, la razón del porqué perdieron la memoria me parece poco elaborada e injustificada, y las reacciones de Wataru junto a Sofía sobre esta revelación resultaron poco convincentes, aunque fue interesante el tema sobre presentar una civilización autodestructiva y peligrosa, siendo la critica que se da en torno a esto muy buena.
Sophia did nothing wrong
Y aunque no considero a Kaze no Nawa una mala historia, si
me parece que tuvo un gran potencial desperdiciado. Esto hubiera funcionado
mejor en formato episódico de OVAs que como película, pues fácilmente se podría
dividir en cuatro o más capítulos, debido al formato episódico que presenta la
historia. Es recomendable si buscas una historia de ciencia ficción interesante con bastante contenido filosófico, que por momentos se puede tornar densa pero
que vale la pena ver.
Nota personal
6.6/10
Reseña: Koi wa Ameagari no You ni
El género de romance es una temática que no suelo ver muy a menudo, en algunos casos está relacionado a la comedia escolar, y personalmente considero mis obras favoritas del género las focalizadas en las relaciones interpersonales de sus protagonistas, muchas veces haciendo hincapié en sus emociones y pensamientos, ver el desarrollo donde ambos aprenden y maduran, viven y comparten experiencias logrando un desarrollo y evolución en esa relación mutua. Una de mis series favoritas con esta temática es KareKano, que si bien no tuvo un desenlace óptimo, sus protagonistas, a medida que avanzaba la relación, aprendían uno del otro y lograban mejorar como personas. Una de las series recientes que vi con esta similitud en la temática de romance es Koi wa Ameagari no You ni, también conocida como After the Rain. Y aunque su temática inicial se presenta como un romance escolar con toques de comedia, logra un enfoque distinto con el pasar de los episodios y se focaliza en cada uno de los protagonistas. ¿En que los diferencia?, ¿El amor puede ser usado como un medio y no como un fin para lograr cumplir las metas personales y pasiones en la vida? Koi Wa trata de estos y otros temas, con cierta controversia, pero logra dar un resultado agradable y satisfactorio.
Datos técnicos
Episodios: 12
Género: Romance, demografía Seinen
Estudio: Wit Studio
Fuente: Manga
Autor: Mayuzuki, Jun
Dirección: Watanabe, Ayumu (Uchuu Kyoudai, Nazo no Kanojo X)
Dirección de sonido: Ebina, Yasunori (Katanagatari, Fruits Basket)
MyAnimeList
La historia de esta serie relata la vida de Akira Tachibana, una joven estudiante de 17 años talentosa en el atletismo, pero por un accidente en el tobillo queda incapacitada temporalmente de volver a las carreras. En esa situación de frustración e impotencia conoce, a través de un trato muy amable y servicial, al gerente de un restaurante llamado Masami Kondou, mientras ella observaba la lluvia con tristeza. Tachibana al sentir una inicial atracción por el gerente decide trabajar allí y conocerlo más, en el transcurso su amor idealizado representado en obsesión cambiará por el de sincera admiración.
Koi wa es expuesta aparentemente como una serie escolar de comedia. Inicialmente vemos a Tachibana con una personalidad muy reservada, indecisa y por momentos atrevida. Mientras que Kondou es visto como un gerente sin carácter que no sabe cómo dirigir a sus trabajadores, lo que ocasiona ciertos momentos de burla hacia él, sin embargo es atento con los consumidores y compañeros de trabajo (aunque estos no lo perciban). Lo que mueve a esta historia es la interacción de ambos y la controversia que genera su relación casi prohibida por la amplia diferencia de edades en que Tachibana sea una menor de edad. Es en este choque de mundos donde cada uno explora su vida, desde los compañeros y mejor amiga de Tachibana en el atletismo; Kondou y su vida irregular siendo un padre divorciado con un niño que mantener, encontramos un punto central en el restaurante para ambos personajes. Este lugar sirve como un refugio para Tachibana al no querer regresar a su vida de estudiante y de practicar atletismo, mientras que para Kondou es como un lugar de estancamiento, debido a que él es un escritor frustrado que ya perdió las esperanzas de cumplir sus metas y sueños.
Si nos referimos al desarrollo de la historia, avanza inicialmente fluido, los personajes son presentados de manera correcta sin tomarse apuros. Y los puntos donde hay conflictos con algunos personajes secundarios llegan a buen puerto para el final de la serie. Una de las cosas que valoro de esto es que Tachibana hace uso de su atrevimiento, no se va con rodeos y le declara su amor al gerente desde un inicio. Esto abre puertas a entender mejor a Kondou y ver el conflicto que tiene consigo mismo el afrontar y negar una relación con una estudiante de secundaria. Y como tal, se ha sabido manejar muy bien a este personaje, y el peso de protagonismo recae en él en mayor medida para la segunda parte de la historia. Tachibana de su lado aprende de Kondou y comienza a verlo con admiración, sin embargo, uno de los desperfectos de su forma de ser es que no es muy expresiva al hablar, y aunque esto se puede excusar por su personalidad reservada y observadora, no hay un desarrollo tan explícito de su parte.
Sobre los personajes secundarios, aunque hay bastantes (incluyendo los del ambiente laboral del restaurante), solo hay un par por destacar y que sirven de soporte adecuado para los protagonistas. De parte de Tachibana está su mejor amiga Haruka que en gran medida aporta bastante sobre el trasfondo de Tachibana y del porqué abandonó el atletismo (y se recluyó en el trabajo) a ser un punto de soporte y motivación casi permanente hacia ella. De parte de Kondou encontramos a su colega de universidad, Chihiro Kujou y ayuda a entender más el porqué de su estancamiento en su pasión como escritor. Y que en cierta parte, formó una relación similar con Chihiro que es vista muchas veces como una analogía de la relación entre Tachibana y Haruka pero más madura.
Uno de los problemas que presentó Koi Wa fue en la manera de darle resolución a conflictos y terminar la historia eficazmente para los episodios finales. Y aunque cumplió en dar un final satisfactorio, los últimos momentos se sintieron muy apresurados, con un final dando conclusión a su historia pero dejando un camino abierto sin dar mayores detalles.
Apartado Artístico
A mi parecer este apartado es el punto más destacable de Koi Wa, pues presenta en todo momento una armonía excelente entre ambientación (en nivel de detalle en el dibujo y la ciudad) con el uso de una paleta de colores en tonos pasteles y brillantes que juega bien para las escenas de romance, ademas del correcto uso de banda sonora para los momentos de paz y de melancolía. El diseño de personajes en general, es muy particular, rememora al estilo clásico de algunos shoujos noventeros, los cuerpos son alargados, delgados y bastante estilizados. Por momentos me hizo recordar al diseño clásico de los personajes de Sailor Moon (incluso una de ellas tiene un diseño muy parecido al de Sailor Saturn durante algunos flashbacks).
Para ciertos momentos no hay necesidad de diálogos ni de narrador para contar lo que está sucediendo, llegando a veces al punto de que las escenas “hablan por sí mismas” sin necesidad de que los personajes digan explícitamente lo que sienten. Por ejemplo, muchas veces vemos esta sutileza en las escenas de lluvia, en cómo representa un ambiente triste y apagado, para luego dejar implícito que un personaje llora mezclando sus lágrimas con la lluvia sin ver su rostro completamente.
El opening y el ending son excelentes, de su parte Nostalgic Rainfall sirve como una perfecta introducción a la serie enfocándose en Tachibana y escenarios idealizados que representa parte de sí misma y su amor por el gerente, presentando un ritmo bastante alegre. El ending Ref:rain, por su parte, es a mi parecer el mejor tema de su temporada. Es la canción que probablemente siempre me ocasiona un eargasm al terminar cada episodio, y dejando de lado el aspecto visual, el ritmo suave y pasional de la voz de Aimer es simplemente hermosa (también es curioso que ambos títulos del op/ed hagan referencia a la lluvia y un nuevo amanecer).
Conclusiones
Koi wa es una serie muy particular. Más que tratar sobre el romance, el anime nos habla de las metas y pasiones a través de superación personal, y este romance pasa a tener un rol secundario progresivamente. Además, tampoco es un romance usual, y el cómo ha sido tratado este tema que causa cierta polémica es de elogiar pues no se lleva al fanservice random o a desmoronar su argumento. Esta serie es sobre la superación de ambos protagonistas por sus sueños o metas frustrados, que al interactuar empiezan a entenderse mucho mejor (especialmente Kondou).
After the rain nos habla tanto a través de su título de la situación en la que se encuentran sus personajes, cómo se conocieron y también el cómo finaliza la serie, que es de mis favoritas al mostrar como “la lluvia termina”. Esta obra presenta mucha sutileza, desde analogías y similitudes entre ambos protagonistas y sus vidas (a pesar de que ambos tienen una personalidad muy distinta), como afrontar una relación inestable y deficiente con un buen amigo, los barros en el rostro como indicio de juventud y/o vejez, diálogos y ciertas metáforas que de vez en cuando Kondou aporta aconsejando a Tachibana y aprende, etc.
Esta es una obra de romance que recomiendo, siempre y cuando se dejen los prejuicios de lado, ya que incluso la serie la trata con mucho cuidado estos temas sin corromperse logrando un buen resultado en su historia y personajes.
Nota personal:
7.5/10
Reseña (?): Pop Team Epic (Retransmisión)
Ａ ｆｉｎａｌｅｓ ｄｅｌ ａñｏ ｐａｓａｄｏ ｃｕａｎｄｏ ａｎｕｎｃｉａｒｏｎ ｅｌ ａｎｉｍｅ ｄｅ Ｐｏｐ Ｔｅａｍ Ｅｐｉｃ， ｄｅｓｐｕéｓ ｄｅ ｔｏｄｏｓ ｌｏ ａｔｒａｓｏｓ ｑｕｅ ｔｕｖｏ， ｃｏｍｏ ｑｕｅ ｌａ ｇｅｎｔｅ ｎｏ ｓａｂｉａ ｍｕｙ ｂｉｅｎ ｑｕｅ ｅｓｐｅｒａｒ， ｓｉｅｎｄｏ ｑｕｅ ｌｏ ｐｏｃｏ ｑｕｅ ｓｅ ｓａｂｉａ ｓｏｂｒｅ ｌａ ｐｒｏｄｕｃｃｉóｎ ｅｓｔａｂａ ｌｉｇａｄｏ ａ ｅｓｔｅ ｔｒａｉｌｅｒ ｃｏｎｓｉｓｔｅｎｔｅ ｄｅ ｕｎ ｃｒｏａｔａ ｓｉｅｎｄｏ ｓｅｃｕｅｓｔｒａｄｏ ｐｏｒ ｄｏｓ ｔｉｐｏｓ ｄｉｓｆｒａｚａｄｏｓ ｄｅ ｌａｓ ｐｒｏｔａｇｏｎｉｓｔａｓ （ａｌｇｏ ｈａｂｒá ｈｅｃｈｏ ｐａｒａ ｍｅｒｅｃｅｒｌｏ） ｙ ｅｌ ｍａｎｇａ ｃｏｍｏ ｑｕｅ ｅｓ．．． ｒａｒｏ． Ｅｓｔａ ｅｎ ｆｏｒｍａｔｏ ４－ｋｏｍａ， ｓｉ， ａｓí ｑｕｅ ｓｅ ｐｒｅｓｔａｒíａ ａ ｕｎａ ｓｅｒｉｅ ｄｅ ｃｏｒｔｏｓ， ｐｅｒｏ ｔｉｅｎｅ ｕｎ ｈｕｍｏｒ ｅｘｔｒａñｏ， ｓｉ ａｓí ｐｕｅｄｅ ｌｌａｍáｒｓｅｌｅ ｓｉｅｎｄｏ ｑｕｅ ｍｕｃｈａｓ ｖｅｃｅｓ ｐａｒｅｃｅ ｑｕｅ ｎｉ ｓｉｑｕｉｅｒａ ｅｓｔａ ｃｏｎｔａｎｄｏ ｕｎ ｃｈｉｓｔｅ ｙ ｃｏｓａｓ ｂｉｚａｒｒａｓ ｓｉｍｐｌｅｍｅｎｔｅ．．． ｐａｓａｎ， ｓｉｎ ｔｏｎ ｎｉ ｓｏｎ． Ｈａｙ ｍｏｍｅｎｔｏｓ ｄｏｎｄｅ ｓｉ ｐｕｅｄｅ ｓｅｒ ｇｒａｃｉｏｓｏ， ｐｅｒｏ ａｌ ｍｅｎｏｓ ｈａｓｔａ ｄｏｎｄｅ ｌｅí ｎｏ ｓｏｎ ｌａ ｇｒａｎ ｍａｙｏｒíａ． Ｐｅｒｏ ｄｅｓｖａｒíｏ， ｑｕｅ ｅｓｔｏ ｖａ ｄｅｌ ａｎｉｍｅ．
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| Esto es Pop Team Epic |
El anime sucede que es una bestia casi completamente diferente, a veces consistiendo de adaptacion de los paneles del manga originales, pero la mayor parte siendo contenido original que es una especie de mejunje de ideas locas que se les ocurrieron al staff. Cada sección de cada episodio (de 15 minutos cada uno, pero se repite dos veces, ya llegaré a eso) es concebida por un equipo de animadores y guionistas distinto que medio va a su bola, por lo cada sketch individual tiende a ser radicalmente diferente al anterior, y vale la pena entrar en detalles sobre algunos de estos.
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| Esto también es Pop Team Epic |
Ｃａｄａ ｃａｐｉｔｕｌｏ ｃｏｎｓｉｓｔｅ ｄｅ ｕｎ ｐａｒ ｄｅ ｓｋｅｔｃｈｅｓ "ｎｏｒｍａｌｅｓ"， ｑｕｅ ｓｏｎ ｌｏｓ ｑｕｅ ｍáｓ ｓｅ ａｓｅｍｅｊａｎ ａｌ ｅｓｔｉｌｏ ｙ ｈｕｍｏｒ ｄｅｌ ｍａｎｇａ， ｑｕｅ ｓｕｅｌｅ ｓｅｒ ｂｉｚａｒｒｏ ｙ ｍｕｃｈａｓ ｖｅｃｅｓ ｒｅｆｅｒｅｎｃｉａｌ， ｃｏｓａ ｃｏｎｓｉｓｔｅｎｔｅ ｅｎ ｔｏｄｏ ｅｌ ｒｅｓｔｏ ｄｅｌ ａｎｉｍｅ ｅｎ ｔｏｄｏ ｃａｓｏ． Ａｄｅｍáｓ ｃｏｎｓｉｓｔｅ ｔａｍｂｉéｎ ｄｅ ｏｔｒｏ ｐａｒ ｄｅ ｓｋｅｔｃｈｅｓ ｌｌａｍａｄｏｓ "Ｂｏｂ Ｔｅａｍ Ｅｐｉｃ" （ｌｏｓ ｑｕｅ ｅｓｔáｎ ｄｉｂｕｊａｄｏｓ ｃｏｍｏ ｐｏｒ Ｓｔｅｐｈｅｎ Ｈａｗｋｉｎｇ ｙ ｍｅ ｒｅｆｉｅｒｏ ａ ｓｕ ｅｓｔａｄｏ ａｃｔｕａｌ） ｑｕｅ ｔｉｅｎｅ ｕｎａ ｅｓｐｅｃｉｅ ｄｅ ｒｅｌａｃｉóｎ ｄｅ ｐａｒｏｄｉａ ｃｏｎ ｌｏｓ ｓｋｅｔｃｈｅｓ ｒｅｇｕｌａｒｅｓ ｅｎ ｌｏｓ ｑｕｅ ｕｎｏ ｅｘｐａｎｄｅ ｏ ｌｅ ｄａ ｕｎａ ｖｕｅｌｔａ ｄｅ ｔｕｅｒｃａ ａ ｌｏｓ ｃｈｉｓｔｅｓ ｄｅｌ ｏｔｒｏ， ｉｎｃｌｕｓｏ ａ ｖｅｃｅｓ ｄｏｔａｎｄｏ ｄｅ ｓｅｎｔｉｄｏ ａ ｃｈｉｓｔｅｓ ｑｕｅ ｎｏｒｍａｌｍｅｎｔｅ ｎｏ ｌｏ ｔｅｎｄｒíａｎ， ｉｎｃｌｕｓｏ ｓｉ ｅｓｏ ｌｌｅｇａ ｃｏｍｏ ３ ｅｐｉｓｏｄｉｏｓ ｄｅｓｐｕéｓ ｄｅ ｄｉｃｈｏ ｃｈｉｓｔｅ． Ｅｌ ｒｅｓｔｏ ｄｅ ｕｎ ｅｐｉｓｏｄｉｏ ｃｏｎｓｉｓｔｅ ｅｎ ｓｋｅｔｃｈｅｓ ｑｕｅ ｑｕｉｚａｓ ｓｏｎ ｍáｓ ｉｎｔｅｒｅｓａｎｔｅｓ ｐｏｒ ｓｕ ａｎｉｍａｃｉóｎ ｑｕｅ ｐｏｒ ｓｕ ｈｕｍｏｒ， ｃｏｍｏ ｕｎｏｓ ｃｏｒｔｏｓ ｍｕｓｉｃａｌｅｓ ａｎｉｍａｄｏｓ ｅｎ ｓｔｏｐ－ｍｏｔｉｏｎ ｃｏｎ ｍｕñｅｑｕｉｔｏｓ ｄｅ ｌａｎａ， ｃｏｒｔｏｓ ａｎｉｍａｄｏｓ ｅｎ ａｒｅｎａ ｓｏｂｒｅ ｖｉｄｒｉｏ ｙ ｃｏｒｔｏｓ ａｎｉｍａｄｏｓ ｅｎ ＣＧＩ ｐｏｒ ｕｎ ｆｒａｎｃéｓ ｑｕｅ ｓａｂｅ Ｄｉｏｓ ｄｅ ｄｏｎｄｅ ｌｏ ｓａｃａｒｏｎ ｙ ｃｏｍｏ ｎｏ ｓａｂｅ ｕｎ ｓｏｒｏｎｇｏ ｄｅ ｊａｐｏｎｅｓ ｓｕ ｈｕｍｏｒ ｃｏｎｓｉｓｔｅ ｅｎ ｃｈｉｓｔｅｓ ａｕｔｏ－ｄｅｓｐｒｅｃｉａｎｔｅｓ ｓｏｂｒｅ Ｆｒａｎｃｉａ ｑｕｅ ｅｌ ｍｉｓｍｏ ｔｉｅｎｅ ｑｕｅ ｅｘｐｌｉｃａｒ ｄｅ ａｎｔｅｍａｎｏ ｐｏｒｑｕé ｓｏｎ ｄｅｍａｓｉａｄｏ ｆｒａｎｃｅｓｅｓ （ｔａｍｂｉéｎ ｓｕｃｅｄｅ ｑｕｅ ｅｓ ｕｎ ａｎｉｍａｄｏｒ ｄｅ ｌａ ｓａｎ ｆｌａｕｔａ ｅｎ ｇｅｎｅｒａｌ ｙ ｔｉｅｎｅ ｓｕ ｐｒｏｐｉｏ ｃａｎａｌ ｄｅ Ｙｏｕｔｕｂｅ ｄｏｎｄｅ ｓｕｂｅ ｓｕｓ ｔｒａｂａｊｏｓ）． Ｅｎ ｒｅｓｕｍｅｎ ｑｕｅ ｌａ ｅｘｉｓｔｅｎｃｉａ ｄｅ ｅｓｔａ ｓｅｒｉｅ ｅｓ ｕｎ ｐｕｔｏ ｍｉｌａｇｒｏ ｓｏｂｒｅ ｒｕｅｄａｓ.
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Ｏｔｒａ ｃｕｅｓｔｉóｎ ｉｎｔｅｒｅｓａｎｔｅ ｓｏｂｒｅ ｌａ ｓｅｒｉｅ ｅｓ ｑｕｅ ｃａｄａ ｅｐｉｓｏｄｉｏ ｄｅ ３０ ｍｉｎｕｔｏｓ ｃｏｎｓｔａ ｄｅｌ ｍｉｓｍｏ ｅｐｉｓｏｄｉｏ ｄｅ １５ ｍｉｎｕｔｏｓ ｔｒａｎｓｍｉｔｉｄｏ ｄｏｓ ｖｅｃｅｓ ｓｅｇｕｉｄａｓ， ｃｏｎ ｌａ ｄｉｆｅｒｅｎｃｉａ ｄｅ ｑｕｅ ｌａ ｓｅｇｕｎｄａ ｖｅｚ ｌａｓ ｐｒｏｔａｇｏｎｉｓｔａｓ， Ｐｏｐｕｋｏ ｙ Ｐｉｐｉｍｉ， ｓｏｎ ｉｎｔｅｒｐｒｅｔａｄａｓ ｐｏｒ ａｃｔｏｒｅｓ ｄｅ ｖｏｚ ｍａｓｃｕｌｉｎｏｓ ｙ ｕｓｕａｌｍｅｎｔｅ ａｇｒｅｇａｎｄｏ ａｌｇúｎ ｃａｍｂｉｏ ａ ａｌｇúｎ ｑｕｅ ｏｔｒｏ ｓｋｅｔｃｈ ｙ ｑｕｅ ｌｏｓ ｄｉａｌｏｇｏｓ ｔａｍｂｉｅｎ ｃａｍｂｉａｎ ｕｎ ｐｏｃｏ ｓｅｇúｎ ｃｏｍｏ ｓｅ ｌｅｓ ｈａｙａ ｄａｄｏ ｐｏｒ ｉｍｐｒｏｖｉｓａｒ ａ ｌｏｓ ａｃｔｏｒｅｓ ｄｅ ｖｏｚ （ｓｏｂｒｅ ｅｓｔｏ ｎｏ ｔｅｎｇｏ ｄａｔｏｓ ｒｅａｌｅｓ， ｐｅｒｏ ｓａｌｔａ ｂａｓｔａｎｔｅ ａ ｌａ ｖｉｓｔａ ｑｕｅ ｍｕｃｈｏｓ ｄｅ ｌｏｓ ｄｉáｌｏｇｏｓ ｓｏｎ ｉｍｐｒｏｖｉｓａｄｏｓ ｔａｎｔｏ ｅｎ ｌｏｓ ｅｐｉｓｏｄｉｏｓ ｏｒｉｇｉｎａｌｅｓ ｃｏｍｏ ｅｎ ｓｕ ｒｅｔｒａｎｓｍｉｓｉóｎ）． Ｐｏｒ ｏｔｒｏ ｌａｄｏ ｓｏｌｏ ｌｏｓ ｓｋｅｔｃｈｅｓ ｒｅｇｕｌａｒｅｓ ｔｉｅｎｅｎ ａｌｇúｎ ｃａｍｂｉｏ， ｍｉｅｎｔｒａｓ ｑｕｅ ｔｏｄｏ ｌｏ ｄｅｍáｓ ｓｉｇｕｅ ｍáｓ ｏ ｍｅｎｏｓ ｉｇｕａｌ， ｓａｌｖｏ ｌａｓ ｐａｒｔｅｓ ｄｅｌ ｆｒａｎｃéｓ ｑｕｅ ｔｉｅｎｅｎ ｓｕｂｔｉｔｕｌａｊｅ ｄｕｒａｎｔｅ ｌａ ｒｅｔｒａｎｓｍｉｓｉóｎ.
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| Y esto también es Bobunemimimi |
Ｅｌ ｐｕｎｔｏ ｅｓ ｑｕｅ ｅｓｔａ ｅｓ ｕｎａ ｐｒｏｄｕｃｃｉóｎ ｍｕｙ ｅｓｐｅｃｉａｌ， ｕｎａ ａｎｏｍａｌíａ ｅｎ ｅｌ ｅｓｐａｃｉｏ－ｔｉｅｍｐｏ ｑｕｅ ｓｏｌｏ ｅｘｉｓｔｅ ｐａｒａ ｄｅｍｏｓｔｒａｒ ｑｕｅ ｅｌ ｕｎｉｖｅｒｓｏ ｅｘｉｓｔｅ ｅｎ ｃｏｎｓｔａｎｔｅ ｃａｏｓ ｙ ｔｏｄｏ ｅｓ ｐｏｓｉｂｌｅ． Ｐｅｒｏ ｌａ ｐｒｅｇｕｎｔａ ｄｅｌ ｍｉｌｌóｎ ｅｓ．．．¿Ｅｓ Ｐｏｐ Ｔｅａｍ Ｅｐｉｃ ｇｒａｃｉｏｓｏ？ Ａ ｍｕｃｈａ ｇｅｎｔｅ ｌｅ ｇｕｓｔａ ｅｖａｄｉｒ ｅｓｔａ ｐｒｅｇｕｎｔａ ａｌ ｈａｂｌａｒ ｄｅ ｃｏｍｅｄｉａｓ ｐｏｒｑｕｅ "Ｌａ ｃｏｍｅｄｉａ ｅｓ ｓｕｂｊｅｔｉｖａ"， ｐｅｒｏ ｌａ ｒｅａｌｉｄａｄ ｅｓ ｑｕｅ ｌｏ ｅｓ ｔａｎｔｏ ｃｏｍｏ ｔｏｄｏ ｌｏ ｄｅｍáｓ ｅｎ ｅｓｔａ ｖｉｄａ ｙ ｎｏ ｈａｙ ｒａｚｏｎ ｐａｒａ ｎｏ ａｎａｌｉｚａｒ ｕｎａ ｃｏｍｅｄｉａ ｄｅ ｌａ ｍｉｓｍａ ｍａｎｅｒａ ｑｕｅ ｌｏ ｈａｒíａｓ ｃｏｎ ｃｕａｌｑｕｉｅｒ ｏｔｒａ ｓｅｒｉｅ． Ｅｓｏ ｄｉｃｈｏ， ｌａ ｒｅｓｐｕｅｓｔａ ａ ｌａ ｐｒｅｇｕｎｔａ ｄｅｌ ｍｉｌｌóｎ ｅｓ ｑｕｅ Ｐｏｐ Ｔｅａｍ Ｅｐｉｃ ｅｓ ｇｒａｃｉｏｓｏ．．． ａ ｖｅｃｅｓ． Ｃｏｍｏ ｍｅｎｃｉｏｎｅ ａｎｔｅｓ ｕｎａ ｂｕｅｎａ ｐａｒｔｅ ｄｅｌ ｈｕｍｏｒ ｅｓ ｐｕｒａｍｅｎｔｅ ｒｅｆｅｒｅｎｃｉａｌ ｙ ｓｉ ｂｉｅｎ ｎｏ ｓｏｙ ｄｅ ｌｏｓ ｑｕｅ ｓｏｓｔｉｅｎｅｎ ｑｕｅ ｅｓ ｅｌ ｔｉｐｏ ｍáｓ ｂａｊｏ ｄｅ ｈｕｍｏｒ， ｅｎ Ｐｏｐ Ｔｅａｍ Ｅｐｉｃ ｓｉ ｓｅ ｓｉｅｎｔｅ ｌａｓ ｍáｓ ｄｅ ｌａｓ ｖｅｃｅｓ ｑｕｅ ｅｌ ｃｈｉｓｔｅ ｎｏ ｖａ ｍáｓ ａｌｌá ｄｅ ｌａ ｒｅｆｅｒｅｎｃｉａ． Ｐｏｒ ｏｔｒｏ ｌａｄｏ ｍｕｃｈａｓ ｏｔｒａ ｖｅｃｅｓ， ａｌ ｉｇｕａｌ ｑｕｅ ｅｌ ｍａｎｇａ， ｎｉ ｓｉｑｕｉｅｒａ ｅｓｔａ ｉｎｔｅｎｔａｎｄｏ ｓｅｒ ｇｒａｃｉｏｓｏ ａ ｐｏｓｔａ ｙ ｅｓｔａ ｓｉｅｎｄｏ ｐｕｒａｍｅｎｔｅ ｂｉｚａｒｒｏ ｓｉｎ ｒｅａｌｍｅｎｔｅ ｔｅｎｅｒ ｕｎ ｃｈｉｓｔｅ ｍáｓ ａｌｌá ｄｅ ｅｓｏ． Ｓｉｎ ｅｍｂａｒｇｏ， ｅｓｏ ｅｓ ａｌｇｏ ｄｅ ｌｏ ｑｕｅ ｓｏｎ ｐｅｒｆｅｃｔａｍｅｎｔｅ ｃｏｎｓｃｉｅｎｔｅｓ ｙ ａ ｓｕ ｖｅｚ ｆｏｒｍａ ｐａｒｔｅ ｄｅ ｕｎ ｃｈｉｓｔｅ ｍáｓ ｇｒａｎｄｅ ｑｕｅ ｅｓ ｂáｓｉｃａｍｅｎｔｅ ｄａｒｌｅ ｇｕｉñｏｓ ｙ ｃｏｄａｚｏｓ ａｌ ｅｓｐｅｃｔａｄｏｒ ｄｉｃｉｅｎｄｏ "¿Ａ ｑｕｅ ｎｏ ｅｓ ｕｎａ ｍｉｅｒｄａ ｅｓｔｅ ｄｉｂｕｊｉｔｏ？"
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| Y esto tambien... ya se hacen a la idea |
Ｐｅｒｏ ｏｔｒａ ｖｅｃｅｓ ｓｉ ｓｅ ｐｕｅｄｅ ｓａｌｉｒ ｃｏｎ ｓｋｅｔｃｈｅｓ ｖｅｒｄａｄｅｒａｍｅｎｔｅ ｇｒａｃｉｏｓｏｓ ｙ ｅｎ ｇｅｎｅｒａｌ ｎｏ ｍｅ ａｒｒｅｐｉｅｎｔｏ ｄｅ ｈａｂｅｒ ｖｉｓｔｏ ｎａｄａ ｄｅ ｅｓｔｏ， ｉｎｃｌｕｓｏ ｓｉ ｎｏ ｎｅｃｅｓａｒｉａｍｅｎｔｅ ｄｉｓｆｒｕｔｅ ｔｏｄｏ． Ｓｅ ｎｏｔａ ｃｕａｎｔｏ ｃａｒｉñｏ ｌｅ ｍｅｔｉó ｅｌ ｓｔａｆｆ ａ ｅｓｔａ ｓｅｒｉｅ ａ ｐｅｓａｒ ｄｅ ｔａｎｔｏ ｃｈｉｓｔｅ ｄｅ "ａｈ， ｐｅｒｏ ｑｕｅ ａｎｉｍｅ ｄｅ ｍｉｅｒｄａ" ｙ ｓｅ ｐｕｅｄｅ ｖｅｒ ｌｏ ｍｕｃｈｏ ｑｕｅ ｓｅ ｅｓｔａｂａｎ ｄｉｖｉｒｔｉｅｎｄｏ ｄｕｒａｎｔｅ ｌａ ｐｒｏｄｕｃｃｉóｎ ｅ ｉｎｃｌｕｓｏ ｃｕａｎｄｏ ｅｓｔáｎ ｔｒａｔａｎｄｏ ｄｅ ｔｅｎｅｒ ｅｓｅ ｈｕｍｏｒ ｍｅｍｅｔｉｃｏ ｑｕｅ ｍｕｃｈａｓ ｖｅｃｅｓ ｅｓ ｔａｎ ｄｉｆｉｃｉｌ ｄｅ "ａｐｒｅｃｉａｒ" ｅｓａｓ ｇａｎａｓ ｓｏｎ ｃｏｎｔａｇｉｏｓａｓ ｙ ｓｅ ｖｕｅｌｖｅ ｄｉｆｉｃｉｌ ｎｏ ｐｅｎｓａｒ ｑｕｅ ｅｓ ａｄｏｒａｂｌｅ ｅｎ ｃｉｅｒｔａ ｍａｎｅｒａ． Ａｓí ｑｕｅ ｓｉ， ｃｒｅｏ ｑｕｅ ａｌ ｆｉｎａｌ ａ ｍｉ ｔａｍｂｉｅｎ ｍｅ ｇｕｓｔａ ｅｓｔｅ ｄｉｂｕｊｉｔｏ ｄｅ ｍｉｅｒｄａ． むちアトメにブゅもヲとゑ移
